Театр одного актора Крик / Первый театральный «блин» - не комом?

В газете «Бизнес-время» №43 11 декабря уже был опубликован предварительный репортаж «Виват, талант?” с Фестиваля моно- и камерных спектаклей (неофициальное название-девиз ”ВИВАТ, АКТЕР!”). Однако, субъективные мнения, как сказано, 4-х «самых видных театральных деятелей» о роли театрального искусства в нашей жизни вообще и поверхностное краткое описание фестиваля не  удовлетворило запросы днепропетровских театрофилов, которые вправе спросить: а  удался ли этот ПЕРВЫЙ фестиваль?

С просьбой проанализировать итоги  этого действительно СОБЫТИЯ в жизни нашего города мы обратились к Заслуженному деятелю искусств Украины, председателю комиссии по вопросам режиссуры Днепропетровского межрегионального отделения Национального Союза театральных деятелей Украины (ДМВ НСТД) Владимиру Мазуру.

- Пожалуйста, пару слов об организации этого  уникального мероприятия. 

- Фестиваль был задуман, организован и проведен Управленим культуры и искусств Днепропетровского горсовета и ДМВ НСТД, проходил он с 1 по 4 декабря в помещениях днепропетровских театров. Сразу же скажу, этот «первый блин», к счастью, «не был комом».

- Кто входил в состав жюри?

- Ведущий специалист по вопросам культуры и искусств Горсовета Валентина Слобода; ответственный секретарь ДМВ НСТД,  заслуженный работник культуры Украины Мария Проценко;  главный режиссер Днепропетровского музыкально-драматического театра им. Т.Г. Шевченко, лауреат международной театральной премии им. В. Блаватского  Анатолий Канцедайло;   известный театральный критик, журналистка Татьяна Абрамова. Я был председателем жюри.

- Пожалуйста, для читателей «Бизнес-времени» вкратце изложите кредо жюри и Ваше личное в отношении этого пока еще мало распространенного вида театрального искусства.

- Театр вообще ценен своей самобытностью, неповторимостью, и это в высшей степени ценно в моноспектаклях. Здесь главная задача постановщика (режиссера или же самого актера) - это умение облечь логическое понимание задумки автора произведения в образно-эстетичекую форму, причем сделать это СОВРЕМЕННО.  Как режиссер с немалым опытом постановки «традиционных» спектаклей, я не раз задавал себе вопрос, почему моноспектакли пользуются успехом? И особенно - с поэтическими текстами. И, в конце концов, пришел к мысли, что такой вид искусства популярен прежде всего встречей с творческой индивидуальностью актера, которому есть что сказать зрителю. Вот, вспомним, когда еще в 60-70-ые годы прошлого столетия наш человек жил в тисках отсутствия свободы слова, именно художественное чтение, отдельные моноспектакли, авторская песня Окуджавы, Высоцкого были так сказать единственной отдушиной для свободы мысли благодаря возникновению в сознании слушателя ассоциативного ряда,  вследствие широкого использования элементов парадоксальности, аллегорий, метафор, создаваемых оригинальными изобразительными средствами выдающихся индивидуальностей. 

Вообще, в каждом человеке есть нечто СВОЕ, и это ЕГО неповторимое богатство, но открыть ЭТО широкому кругу окружающих дано артисту, и здесь выходит на первое место его талант. Раскрыть же талант легче, и одновременно труднее, в моноспектаклях, когда артист на сцене один, и берет на себя всю полноту ответственности за результат. 

- В названии фестиваля фигурирует два вида спектаклей: моно и камерные. С какими мерками подходило жюри к их классификации?

- Давайте сразу же определимся с терминологией. Обычно считается, что в моноспектакле на сцене один исполнитель, а в камерных может быть два,  три и больше актеров. А еще следует четко различать художественное чтение и моноспектакль, в котором от актера требуется создать и показать зрителю образы, сформированные комплексом изобразительных средств. При таком подходе в программе Фестиваля в прямом смысле оказался лишь один камерный спектакль Муниципального театра актера и куклы «Злюка» (руководитель Михаил Овсянников).

- Вот и начните, пожалуйста, аналитическую ретроспективу с этого спектакля. Я прошу Вас – и по этому, и по остальным спектаклям - быть в двух ипостасях: высказывать «интегрированное» мнение жюри (как его председателю) и, оговариваясь, озвучивать свои личные впечатления от увиденного.      

- Прежде всего, для кукольного представления первостепенное значение имеет качество самих кукол.  В отличие от живого актера, который выходит на сцену со своей «фактурой», кукла должна быть обязательно яркой, зрелищной, даже «фантастической». Художник Никитин, как и в прошлые годы, показал блестящее умение создавать не просто куклу с внешностью, соответствующей литературному образу, а именно с такими качествами, о которых я сейчас сказал. Я остановился на значении самой куклы, хотя всегда надо говорить добрые слова и в адрес актеров-кукловодов, которые этих кукол «оживляют», и режиссера, которых придумывает разные ситуации по ходу действия, мизансцены и прочее, без чего кукольный спектакль – не спектакль. Упомянутое название «Злюка» надо брать не в грамматические, а в смысловые кавычки, так как он - о доброте, которая так необходима нынешним детям (которых чем далее, тем более «воспитывает» злыми прежде всего зарубежное телевидение на наших каналах, которое не адаптировано к украинской ментальности и нынешним условиям жизни).

Чтобы закончить разговор о камерных спектаклях, скажу, что жюри условно к ним отнесло и чтецкие программы.

- Назовите, пожалуйста, наиболее интересные из них.

- Художественное чтение было, в большинстве случаев,  посвящено исполнению произведений поэзии. Таким, например, было чтение «Медного всадника» Александра Пушкина многоопытным Василием Соболевым. Это классическое художественное слово, в таком стиле когда-то читал поэзию гениальный Яхонтов. Ведь в  художественном чтении всегда видна личная позиция исполнителя.

Еще один пример – Борис Кодоколович (Днепропетровский театр им. Т.Шевченко) читал композицию по произведениям Т.Г Шевченко, в том числе: «Гайдамаки», «И мертвым, и живым, и не рожденным...”. Для жюри выступление этого артиста в весьма почтенном возрасте было открытием: он читал с высоким  профессионализмом, проникновенно, эмоционально, продемонстрировал такое умение владеть художественным словом, что мы ощутили насколько слова Тараса обращены в сегодняшний день, осознали  масшабность, глубину, мощь великого украинского поэта и гражданина.

- Вы хотите сказать, что ценно не только качество ЧТЕНИЯ, но и личное ПРОЧТЕНИЕ произведения артистом? И это не просто, как говорят французы, bon mots – игра слов?

- Вот именно. Главное, мы общаемся с личностью творца, видим как он раскрывает себя. Это очень трудное искусство взять на себя внимание зала  в течение часа-полутора моноспектакля. Исполнитель должен не просто озвучивать текст, он обязан с ЧЕМ-ТО прийти к зрителю. В этом и кроется профессиональная сложность такого искусства.  Но, с другой стороны, здесь актер может открыть такие грани своего мастерства, таланта, которые не всегда видны на большой сцене в «многофигурных» спектаклях.

- Какие еще программы представили  чтецкое  искусство?

- Это: «Жити хочу! Геть думи сумні!” по стихам Леси Украинки, в исполнении Наталиеи Гавриковой (Днепропетровский музыкально-драматический театр им. Т.Г. Шевченко); «Исповедь Айсидоры Дункан» в исполнении Валентины Батаевой (Днепропетровский драматический театр им. М.Горького). К ним близок по стилистике и Владислав Лебедев (Запорожский театр-лаборатория «Vie», читавший «Облако в штанах» В. Маяковского.

- А чем порадовали собственно моноспектакли?

- Здесь следует говорить о поставленном Валерием Клейменовым (Днепропетровский молодежный театр на Московской) моноспектакле «Танцевальный час на солнце» по произведениям С. Кирсанова, а также о работе Светланы Лебедевой (тот же театр «ВИ») «Бессонница» по произведениям М.Цветаевой и Г. Ахматовой. Это - попытки создать поэтический моноспектакль. Очень интересно слушать, например, внутренний ассоциативный монолог актрисы о судьбах двух гениальных женщин-поэтесс в классических «женских категориях»: встреча, любовь, потеря, боль ожидания, одиночество. Вот Лебедева через Ахматову и открывает нам себя. 

- Видимо, такой же ярко выраженный моноспектакль и «Баллада о пяти котятах», сыгранный Ольгой Асиной?

- Да, это интересная работа Днепропетровского театра-студии  ”Верим!”, в ней проявил себя и режиссер Владимир Петренко, сценически оригинально решив метафорический рассказ Иона Друцэ. 

- А можно ли сравнивать этот моноспектакль, тепло встреченный зрителем, и хорошо известную днепропетровскому зрителю «Лолиту» Михаила Мельника, которую он сыграл вне конкурсной программы как мастер-класс?

- Я думаю, этого делать не следует. Моноспектакль я впервые увидел  в Москве много лет назад в исполнении Владимира Рецептора. С тех пор довелось встречаться с этим видом театрального искусства много раз, и я пришел к однозначному выводу: моноспектакль художественного уровня не может быть не оригинальным. Если нет творческой индивидуальности исполнителя, то нет и моноспектакля. Вот и Мельник создал СВОЙ театр. Ведь он использует свои оригинальные средства, и только свои. Кто-то другой, создавая моноспектакль,  тоже будет использовать аналогичный набор средств: музыку, костюм, элементы декорации (или, наоборот, их полное отсутствие), свет как ассоциативный и образный ряд, он может пользоваться, например, маской,  - но это будут уже ЕГО средства.

- Вы еще не рассказали о том, что и как показала Наталья Вощилова из Запорожского молодежного театра, где режиссером Денисенко. Об этом много в городе говорят.

- Талантливая актриса Вощилова нашла как бы свою нишу: она задалась целью увлечь со сцены детей изучать иностранные языки, в частности английский, который практически уже стал языком международного общения. Знание языка поможет им в будущем, например, осваивать дополнительные профессии, работать в разных частях Света.  Что особенно ценно, Вощилова  выбрала игровой метод освоения языка, который наиболее близок и понятен деткам. Это решение обусловлено тем,  что она работала шесть лет в США и, несмотря на многие бытовые и моральные трудности, довольно неплохо освоила американский вариант английского языка.  

Кроме того, будучи по натуре артисткой, она посмотрела многие спектакли на Бродвее и нашла свое творческое решение образа женщины-клоуна. Этот образ добрый-добрый и бесконечно обаятельный. Что же видим на сцене? Идет игровой спектакль-урок английского языка, и Вощилова создает яркие гротескные, хорошо запоминающиеся характеры (например, продавца, покупателя, ковбоя и т.д.), пользуясь речевой пластикой, музыкой, реквизитом. Она в ходе спектакля увлекает зрителей в игру, и это очень заразительно, современно, с хорошим юмором. Она умудрилась даже пластикой тела изобразить весь латинский алфавит. Надо еще отметить, что у нее в репертуаре уже пять моноспектаклей.

- Кроме таких, так сказать, легких моноспектаклей были на фестивальной сцене и работы с философским подтекстом, с гражданским звучанием?

- Да, были. Вот, например, Юрий Маликов из Днепродзержинского театра им. Л.Украинки представил хорошо продуманную композицию по поэзии Владимира Высоцкого «Было так: я любил и страдал».  Он не только читает, но и поет под гитару, но, к его чести, не пытается подражать своеобразному тембру Высоцкого; главное для него - смысл исполняемого.  Это – публицистический моноспектакль с глубокими размышлениями о жизни, о судьбе личности, о том, кто мы есть. Для этого Маликов использовал в композиции стихи и Пушкина, и Маяковского, и Превера, а через них раскрывал Высоцкого как бы изнутри, постигая суть его личности. 

Еще один пример: публицистика в работе Кодоколовича, читавшего Тараса Шевченко. Он вынуждает слушателя вновь осознать, что значит наша родина, наше государство для каждого из нас. Своим чтением он как бы пробуждает совесть гражданина, занятого повседневными хлопотами. А если учесть, что мы слушали Бориса Григорьевича Кодоколовича в День его рождения (исполнилось 82 года), то можно сказать: не мы сделали подарок имениннику, а наоборот – артист нам подарил искру своего мастерства. В целом для жюри был преподан урок: нельзя подходить к художественному творцу с предубеждением, мол, надо искать и воспитывать молодые таланты, а пожилые артисты, дескать, «ну что они еше могут?» Главный режиссер театра им. Т. Шевченко Анатолий Канцедайло правильно заметил: профессионал всегда может чем-то удивить.

Жюри рекомендовало Областному телевидению заснять программу Бориса Кодоколовича для воспитания молодежи, тем более, что в марте следующего года будет отмечаться 190-летний юбилей Тараса Шевченко. А можете себе представить, какую воспитательную силу может приобрести чтение актуальных  произведений Шевченко, если участник Великой отечественной войны Кодоколович наденет не орденские планки-колодочки, а  подлинные все свои многочисленные ордена и медали - на груди и места не хватит! Такую телевизионную запись полезно демонстрировать в школах, других учебных заведениях, ведь она воздействует на слушателей сильнее, чем, например, любой модный голливудский боевик.

- Вы так хорошо рассказали о самом пожилом участнике фестивале, а теперь скажите несколько слов о самом молодом.

- Владислав Маликов вот только закончил Днепропетровский театрально-художественный колледж и по приглашению главного режиссера Анатолия Канцедайло пришел работать в театр им. Шевченко. На фестиваль он представил художественное чтение повести А. Барикко «1900» (о пианисте, который всю жизнь провел на корабле; по повести, к слову, когда-то был снят великолепный фильм). Надо сказать, для дебютанта этот юноша выглядел весьма неплохо. 

- Владимир Александрович, в заключение «глобальный» вопрос: каковы перспективы фестиваля?

- Жюри высказало пожелание повысить статус фестиваля: во-первых. сделать его традиционным, возможно ежегодным; во-вторых, выйти за рамки региональности и приглашать исполнителей со всей Украины. Вот, например, Народная артистка Украины Лариса Кадырова имеет в репертуаре несколько моноспектаклей; во Львове пользуются большой популярностью моноспектакли «Театра в кошыку»; есть интересные исполнители и в других городах. Конечно же, тогда и наш Михаил Мельник будет выступать в конкурсной программе, а не представлять «мастер-класс» театра «Крик».

Как-то известный театральный критик, киевский профессор Валентина Заболотная заметила: «Если какой-либо фестиваль делает хотя бы ОДНО открытие, то можно считать, что этот фестиваль состоялся». В нашем же фестивале по крайней мере 5-7 работ можно считать более-менее удачными, заслуживающими внимания, и это радует, дает надежду на перспективу.    

- Спасибо за исчерпывающие ответы, всесторонне «осветившие» фестиваль. 

- Я был бы счастлив, если бы названная вначале та же газета «Бизнес-время», за публикациями которой в рубрике «Культура» я систематически  слежу,  поместила это интервью полностью, как один из заключительных  аккордов культурной жизни Днепропетровска в истекающем году.              

Владимир Ефимов  12 декабря 2003 года